Семнадцатый век – это золотой век, давший искусству Европы и Востока удивительных гениев. Весь год мы посвятим этому веку, возможно, успеем еще захватить и 18 век. В нашем дайджесте пройдемся по самым великим авторам и работам этого века.

Есть громкие шедевры, а есть великие, о которых знают не все, а только ценители. Одной из таких работ является картина “Святой Христофор” Адама Эльсхеймера. В ней автор воплотил дух своей эпохи. В это время у европейцев формируется мировоззрение близкое к нашему: нарушение гармонии между миром и человеком. Адам почувствовал это одним из первых и изобразил. Рубенс с большим уважением относился к его работам.

Работал Адам Эльсхеймер медленно и неторопливо, картины писал маленькие, тяготел к иллюстративности. Из-за этого заказчики были вечно недовольны, и у художника постоянно были нервные срывы, некоторые даже говорят о душевной болезни.

Святого Христофора, очень сильного человека, изображали многие. Например, Ян Мандейн в своей работе “Пейзаж с легендой о святом Христофоре”. По легенде, он переносил через поток слабых людей. У Эльсхеймера Святой Христофор получился более реалистично, чем у Мандейна, хотя бы потому что согласно легенде ребенок сидит у святого на плечах, а не на сфере.

Шедевр Адама Эльсхеймера "Святой Христофор"

Картина небольшая по размеру. В Эрмитаже, к сожалению, для нее не установлена специальная подсветка, поэтому в сумрачное время суток что-либо разглядеть достаточно проблематично, так как картина очень темная. Адам любил ночь и сумрак. Дневной свет не изображал на картинах вовсе.

Персонажи на картине – все в движении. Основное движение идет по диагонали. Святой Христофор в сложной позе: ноги идут вправо, корпус влево, да еще и поворот головы. Ребенок на плечах у великана, почувствовав опасность, крепко схватился за голову Христофора.  Художник хорошо справляется с такими сложными поворотами фигур. Помимо движения по диагонали, каждый из персонажей еще совершает вращение по спирали.

Посмотрите и скажите, сколько на картине источников света? Первый – свет луны. Естественный свет. Очень точно подмеченный, появляется ощущение мгновения. Второй – свет от нимба над головой Христа. Это мистический свет. А третий – это факел слева. Искусственный источник света.

Адам пытается уловить изменчивый свет. Такое отношение к свету свойственно людям, живущим в эпоху перемен, где чувствуется хрупкость и зыбкость этого мира и хочется зафиксировать свет на картине для ощущения хоть какой-то стабильности.

Рубенс. Рассмотрим его последнее произведение перед смертью, которое он писал, никому не доверяя, писал для себя – “Вакх”.

Для старого мастера у Рубенса очень большое наследие – 3 000 произведенений. Для того времени это было колоссально. После пикассовских 30-50 тысяч, конечно, для нас это уже не показатели.

На картине изображен Бог виноделия Вакх. При первом взгляде картина вызывает улыбку и настраивает на пошлые шуточки, но она не о пьянстве. Рубенс гораздо глубже и интереснее.

Шедевр Рубенса "Вакх"

На картине изображена аномалия, которая вызывает ужас. Кто такое этот Вакх? Признаки пола завуалированы, присутствует и женское, и мужское начало. А что, если это тело сейчас сойдет из картины прямо к нам. Страх! Причем изображение на полотне – это не копия натуры. Картина написана с лягушачьей позиции. Фигура специально занимает большую часть полотна.

Главная фигура восседает на импровизированном троне, роль которого выполняет бочка из-под вина. Поза неустойчива, так как бочка качается. У ног фигуры – хищник, он не сопротивляется, потому что на троне – сама природа. Хищник, так же как и мы с вами, часть этой природы.

На картине присутствует множество знаков земли: свастики, цифра четыре (четыре времени года). Обратим внимание на малышей внизу картины: один пьет вино, а другой – писает. Это естественный процесс, если так не будет происходить, то все умрет. Эта картина о вечной жизни природы.

Рубенс совсем не прост. Он использует яркие краски, свободные формы, но всегда его картины имеют философский подтекст. Это стиль барокко. Его основоположник – Лоренцо Бернини.

В Эрмитаже сохранились скульптурные эскизы Лоренцо Бернини. Сам факт их хранения уже говорит о барокко. Раньше эскизы выбрасывали сразу, после сдачи готовой работы, а в 17 веке их начинают хранить, так как становится важен не только результат, но и путь к нему. Теперь эскизы коллекционируют и изучают.

Лоренцо Бернини создал скульптурную группу “Экстаз Святой Терезы” для церкви Санта Мария делла Виктория в Риме, эскиз которой хранится в Эрмитаже.

Скульптура "Экстаз Святой Терезы" Лоренцо Бернини в церкви Санта Мария делла Виктория в Риме

Свой сюжет Лоренцо взял из мемуаров Святой Терезы из города Авеля, которая описала свои сновидения в нескольких томах. Во сне к ней явился ангел и пронзил копьем. Она одновременно испытала блаженство и боль, такую боль, что хотелось, чтобы она никогда не кончалась. Она поняла, что это любовь к Богу. Лоренцо изобразил как раз этот момент в своей скульптуре.

На терракотовом эскизе сложно, но возможно понять, что действие происходит на облаке. Зарождение барокко – изображение мгновения.

Возникает мнение, что если будешь повторять то, что было, то ничего нового не создашь. Эксперимент – это стиль барокко.

Бацетти, бацетто (итал.) – бутон. Бутон должен распуститься в цветок, потом завянуть. Отсюда стиль барокко – движение.

Кроме Лоренцо в 17 веке был еще один великий скульптор – Джузеппе Маццуоло. Самая известная его работа – “Гибель Адониса”.

Великолепная скульптура Джузеппе Маццуоло "Гибель Адониса"

Адонис – это возлюбленный Афродиты, который погибает молодым во время охоты на дикого кабана. Сюжет взят из “Метаморфоз” Овидия. Молодой человек хватается за воздух, но не находит опоры.

Обратите внимание на цвета: матовый мрамор, свето-тень. Возникает ощущение весны, кажется, что все эти трагические события произошли именно весной.

Шкура вепря сделана очень жестко, а тело юноши – настолько гладко и приятно на ощупь, что хочется к нему прикоснуться.

Эта скульптурная группа считается лучшей в Эрмитажной коллекции. Джузеппе Маццуоло работал над ней около тридцати лет.

Рембрант использовал в своих работах барокко и внестилевые линии. Всем известная картина Рембранта “Возвращение блудного сына”, где сын возвращается ни с чем домой, после того, как промотал все деньги. Две основные истины, которым учит эта притча: умению любить ближнего своего и умению прощать обиды; мы все совершаем ошибки.

Шедевр Рембранта "Возвращение блудного сына"

Главные действующие лица, отец и сын, находятся слева внизу картины. Персонажи справа и те, кто смотрят на картину, образуют общий круг, таким образом происходит вовлечение зрителя в картину. Специально стерты границы.

Персонаж в красном плаще уравновешивает фигуру отца. Некоторые искусствоведы считают, что это старший брат, который завидует такому вниманию к блудному сыну. А отец этого не понимает. До этого его сын был для него потерян, а теперь нашелся. Это праздник.

Отец и сын выделены светом, а руки старика как будто излучают свет. Рембрант великолепно писал цвет. Красны здесь – это цвет углей, они обогревают все вокруг, но и сами гаснут. Отец отдает свое тепло сыну, даже если ему придется погаснуть.

Картину зачем-то надставили уже после смерти Рембранта. Она была меньше. Если представить ее истинные размеры, то на передний план выходят грязные ноги сына. Рембрант, таким образом, изобразил жизнь. Жизнь как путь, который идет через пробы и ошибки.

Первое впечатление от блудного сына – бродяга-оборванец. Присматриваешься: богатая одежда. Еще: лицо мудрого, умиротворенного человека, познавшего истину. Всю судьбу человека можно прочитать за один миг.

Окружающие фигуры – это добродетели. Женщина – аллегория любви и прощения. Все остальные придает умиротворение и уверенность происходящему на переднем плане. Они готовы принести себя в жертву ради другого человека.

Уравновешивать барокко пришлось Никола Пуссену с помощью классицизма. Одно из его замечательных творений – картина “Танкред и Эрминия”.

Шедвр классицизма от Никола Пуссена "Танкред и Эрминия"

Сюжет картины: Танкред выступил в борьбе против великана. Победил, но получил смертельную рану. Девушка, которую он похитил, а потом отпустил, приехала спасти его. Ради Танкреда Эрминия остригла свои волосы и приложила к его ране, они могли излечить любую напасть. Длинные волосы для девушки до 19 века значили очень многое. Эрминия жертвует своей честью ради Танкреда.

Действие могло происходить только во время одного из крестовых походов, т. е. это должен быть европейский рыцарь, но доспехи слишком явно напоминают об античности. Античность являлась образцом для Пуссена. Он считал, что нужно создать образец для подражания.

Классицизм любит ясность и прямоту. Главный герой – в центре, в красном, все взоры устремлены на него. Правда, Пуссен смещает главного героя немного вправо и добавляет диагональ с щитами. Цветы на пригорке справа перекликаются со цветом заката, а одеяния главного героя – с пером на шлеме оруженосца.

Пуссен – чувственный художник, хотя он и подавлял это в себе ради разума. Если использовать только правила классицизма, то получается слишком холодно.

___________________________________________________

Вся информация, которая представлена в искусствоведческих постах, запомнена, законспектирована и сформирована на основании лекций Светланы Борисовны Эсман, старшего научного сотрудника Государственного музея Эрмитаж. Также Светлана Борисовна является руководителем секции “Вехи. Почти всеобщая история искусства”, которую я посещаю с  октября 2009 года. Это одна из секций в студенческом клубе Эрмитажа. На лекциях запрещена запись на диктофон, поэтому у меня ко всем просьба: при копировании ставьте, пожалуйста, активную ссылку на этот пост и подписывайте, что трактовки произведений искусства принадлежат Светлане Борисовне Эсман. Спасибо за понимание!

Будь другом, расскажи друзьям :)

Комментарии:

1 комментарий к записи “Шедевры 17 века – золотого века искусства”

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте как обрабатываются ваши данные комментариев.